domingo, 3 de março de 2024

Maestro

Maestro é uma cinebiografia do músico Leonard Bernstein, que retrata o complexo romance entre o maestro Bernstein (Bradley Cooper) e Felicia Montealegre (Carey Mulligan). Estrelado e dirigido por Cooper, o filme foi indicado a 7 Oscars em 2024 nas categorias melhor filme, melhor ator (Cooper), melhor atriz (Mulligan), melhor roteiro original, melhor som, melhor maquiagem e cabelo e melhor fotografia.
No início, assistimos à Bernstein já idoso ao piano sendo filmado por uma equipe de produção em meio a uma entrevista. Em certo momento, o jornalista pergunta “Você sente falta dela?” e Leonard responde: “Muito”. E comenta: “Eu a carrego bastante comigo. Eu sempre a vejo no jardim trabalhando. Nossos filhos ficam com inveja porque nunca a veem”.
O filme, então, volta ao passado para nos explicar quem é ela. Ela é Felícia Montealegre, estrela da Broadway. a quem Leonard conheceu no início da fama. Acompanhamos como os dois se conheceram, se envolveram e entendemos o motivo da pergunta do jornalista e, principalmente, da resposta de Bernstein. Aquele encontro foi para sempre. Em certo momento, Leonard descreve: “Você tem uma carreira que exige versatilidade para interpretar tantas personagens. Minha conclusão é que você, minha querida, é muito parecida comigo. Você teve que pegar todos os pedacinhos de você espalhados por esses variados cenários e criar a pessoa autêntica que está diante de mim”.
Leonard tinha várias nuances, como a música. Talvez, por isto a compreendesse tão bem. Vivia como maestro e compositor, homossexual e apaixonado por Felicia, judeu e artista em Nova York. Ele era muitos e se questionava: “O mundo quer que a gente seja uma pessoa só. E isto é deplorável”.
Não à toa, um professor diz a ele “você pode ser o primeiro grande maestro americano, mas, para isso, terá que conduzir sua vida.” E é esta a condução principal que o personagem busca realizar na história. Algumas transições foram montadas justamente assim: a vida particular e a artística se atravessando. Em um momento eles estão em um jardim; no outro, em um teatro. Não são vidas paralelas, são intricadas. Não dá para separar.
O problema desta condução é que ela envolvia outras pessoas que, na maioria das vezes, tinham um caminho mais reto. Neste caso, as nuances de Leonard podiam magoar. E o fato de provocar esta mágoa também feria Leonard.
Acompanhamos esta condução nem sempre fácil, nem sempre feliz, mas bonita, carregada de amor. E ficamos, ao final, com a compreensão de Felicia, quando afirma: “A gente só precisa ser sensível com os outros. Ser gentil”. Se seguirmos nesta toada, já seremos bons condutores neste grande teatro da vida.  

domingo, 31 de dezembro de 2023

Oppenheimer



 Em certo momento do filme Oppenheimer, o físico traduz o seguinte trecho do sânscrito: “E agora me tornei a morte. A destruidora de mundos.”. Em outro, alguém comenta: “A bomba não foi o último ato da segunda guerra, mas o primeiro da guerra fria.”.

O filme sobre o pai da bomba atômica nos envolve de forma eficiente numa narrativa sobre o cientista que amava a física quântica e queria, acima de tudo, revolucioná-la. E que, ao perceber o que ele podia ter desencadeado, militou a favor do controle da corrida armamentista na Guerra Fria e acabou sendo acusado de espião soviético na era McCarthy.

Acompanhamos toda esta trajetória no longa. E concluímos que a bomba atômica acabaria surgindo de um lado ou do outro da Guerra; que o homem por trás dela era genial e obstinado, mas não era o proprietário daquela arma; e que, principalmente, não previu todas as consequências de sua invenção que, ao final, resultaram em mundiais e definitivas.

Oppenheimer (Cillian Murphy) era uma figura polêmica, Coronel Groover (Matt Damon), ao convidá-lo para dirigir o projeto atômico, descreve: “Você é diletante, mulherengo, suspeito de comunismo, teatral, neurótico”. E o cientista pergunta: “E genial?”. O coronel comenta: “Genialidade é comum no seu meio”. O que não era tão comum era um contraponto ético em um meio tão científico e teórico. Nesta indefinição ética, o físico ouvia coisas como: “A Guerra não acabará. Os japoneses não desistirão. A bomba salvará vidas.”. Fato é que o físico ficou à frente de um projeto no qual foram investidos 2 bilhões de dólares, 4.000 pessoas, 3 anos de dedicação, muita expectativa e pressão.

O filme é entremeado de flashbacks, enquanto acompanhamos o depoimento do físico à audiência de Segurança da Comissão de Energia Atômica dos EUA em 1954 e também o de Strauss (Robert Downey Jr.) ao senado americano algum tempo depois. A partir destes depoimentos, montamos a narrativa e o contexto por trás da invenção da bomba. Em uma palestra pré Segunda Guerra, vemos o físico dinamarquês Niels Bohr comentar: “Física Quântica não é um passo à frente. É uma nova maneira de entender a realidade. E nem todos aceitam.”. A física radical de Oppenheimer era abstrata, controversa, revolucionária e surgiu em um momento definitivo da história mundial.

No livro que deu origem ao filme, “Oppenheimer: O triunfo e a tragédia do Prometeu americano” de Bird, Kai, compara-se o cientista ao mito Prometeu que roubou o fogo dos Deuses e o entregou à humanidade. Prometeu foi seriamente castigado. Oppenheimer também. Ao experimentar a prática, humanizou-se e isto tornou sua vida bem mais difícil e conflituosa. E, no fundo, a de todos nós. 


domingo, 3 de dezembro de 2023

Tia Virgínia


Tia Virgínia estreou no 51º Festival de Gramado com uma trajetória de destaque: a sessão foi a mais aplaudida da edição e, algumas vezes, o público parou para aplaudir uma cena. O filme levou 5 prêmios, incluindo Melhor Roteiro e Melhor Atriz. 

O filme começa com Virgínia (Vera Holtz) dando corda em um relógio e acertando meticulosamente seus ponteiros hora por hora. É este tempo do relógio, que ela acerta, que vamos acompanhar no desenrolar de um dia dentro da casa em que ela vive com a mãe inválida. 

É dia 24 de dezembro e ela aguarda as irmãs que moram fora e estão vindo para a ceia de Natal. A cuidadora não foi trabalhar e Virgínia inicia a árdua rotina de cuidados com a mãe, enquanto espera, com certa ansiedade, o restante da família chegar. A rotina da casa parece ser bem parecida todos dos dias. E, nós, como espectadores, não saímos dela. Ficamos ali o tempo todo.

Com a chegada das irmãs e de dois sobrinhos, todos os personagens passam a conviver e trocar informações com as quais a gente monta uma dinâmica familiar que revela focos de tensões entre os personagens. Como em praticamente todas as famílias, o encontro de Natal não é assim um momento tão acolhedor como, a princípio, pareceria ser.

Logo que chega, Valquíria (Louise Cardoso) elogia a forma como a irmã cuida da casa. Mas, 10 minutos depois, ela troca os móveis de lugar, sem nem consultar Virgínia, que, afinal, mora ali. Vanda (Arlete Salles), ao entrar, começa a lembrar-se do pai e a ficar emotiva, mas logo é confrontada com o fato de que não compareceu ao seu enterro. São cobranças guardadas, ressentimentos antigos, que, naquele ambiente nostálgico, e, de certo modo, claustrofóbico por carregar tantas lembranças, encontram um ambiente fértil para aflorarem.

Em muitos momentos, identificamos algumas situações com nossa própria família e chegamos a achar graça. Mas, no fundo, incomodamo-nos com a manipulação em cima de Virgínia que, em tese, deve se sentir grata por morar naquela casa de graça e cuidar da mãe. As irmãs chegam a questionar os gastos; os quais têm achado muito altos.  

O filme surpreende com seu desfecho, de muitas formas, libertador e revolucionário. E nós saímos com a sensação de que temos que olhar mais de perto para as "Tias Virgínias" de nossa família. Elas possuem aspirações e interesses que não devem ser negligenciados. 

quarta-feira, 1 de novembro de 2023

Air: A História por trás da logo

 


O filme Air: a história por trás do logo conta uma história de sucesso de posicionamento de marca e estratégia. É curioso porque conhecemos tanto a marca, quanto o nome por trás dela, mas poucos conhecem a história que o filme narra. E, para os cinéfilos, traz uma atração especial, já que temos Ben Affleck e Matt Damon na produção. Os amigos, que estrearam juntos em Gênio Indomável, venceram o Oscar 1997 de roteiro original pelo filme. É gratificante vê-los juntos. A sintonia transparece em cena. Além deles, no elenco, estão Viola Davis, Jason Bateman, Marlon Wayans, Chris Messina e Chris Tucker.

Dirigido por Ben Affleck, Air conta a história real de como Sonny Vaccaro (Matt Damon), olheiro da Nike nos campeonatos regionais de basquete, prospectam o novato Michael Jordan e criam uma parceria que revoluciona o mundo dos esportes e do marketing esportivo.

Em 1984, a Nike era a marca campeã em vendas de tênis de corridas, mas, no basquete, estava em 3º lugar (54% de participação era da Converse; 29%, da Adidas e 17%, da Nike). O setor da empresa dedicado ao esporte estava a ponto de ser desligado e tinha um orçamento bem limitado para prospecção de jogadores que promovessem a marca no basquete. Naquele ano, eles tinham U$ 250.000 para investir em 3 atletas. E Jordan estava sendo sondado pelas três principais marcas do mercado.

Sonny viu algo no jogador e resolveu que seria ele ou... ele. Assim, propôs que aquele orçamento para 3 atletas fosse oferecido apenas ao Michael. E se comprometeu a conseguir o jogador para a Nike. É esta estratégia de Sonny e, em um segundo momento da Nike, para atrair o jogador, que acompanhamos no filme.

Para quem gosta de uma boa história, o filme entretém e cria interesse. Para quem gosta de casos de marketing de sucesso, o filme ensina e demonstra que o risco sempre faz parte de uma grande jogada. Para uma empresa, fica a lição de que inovação é bem mais que tecnologia. Inovar é também ousar pedir uma cláusula inédita em um contrato. Inovar é mudar de estratégia. Inovar, ao invés de automatizar, pode individualizar.

Não à toa, o slogan da Nike objetiva transmitir a ideia de não importa quem você é ou quais são seus objetivos, “basta tomar uma atitude e apenas faça (just do it)”. A Nike terminou aquele ano com U$162 milhões de vendas no tênis da marca Air Jordan e recentemente a média é de U$ 4 bilhões em vendas anuais.

quarta-feira, 4 de outubro de 2023

Assista-me: Elis & Tom, Só tinha que ser com você

 

“Elis & Tom, só tinha que ser você” é um documentário em cartaz nos cinemas sobre os bastidores da gravação do disco lançado em 1974 por Antônio Carlos Jobim e Elis Regina pela gravadora Polygram.  As gravações foram realizadas entre 22 de fevereiro e 9 de março do mesmo ano no MGM Studios de Los Angeles, Califórnia. O disco marcou o encontro de dois dos maiores nomes da música popular brasileira.

Anos antes, a cantora havia afirmado a Ronaldo Bôscoli, produtor musical e seu futuro marido: “Essa sua Bossa Nova, esse negócio de cantar para dentro, para depois sair um fiapo de voz - não é comigo não. Eu canto para fora!”. Justamente a Bossa Nova, estilo eternizado por Tom Jobim. Os dois acabaram unindo os estilos nesta gravação, em que a cantora está mais contida e doce. Nele, quem diria, Elis interpreta diversos clássicos do gênero, como "Águas de Março" (que se tornou o maior sucesso do disco), "Corcovado", "Inútil Paisagem", às vezes em dueto com Jobim, que em outros momentos apenas a acompanha no violão ou piano.

O disco foi um sucesso de vendas e de crítica e segue sendo aclamado por músicos e críticos no mundo inteiro. Assim, quase 50 anos depois de seu lançamento, um documentário sobre os bastidores desta produção acaba se ser lançado. Produzido por Roberto de Oliveira e Jom Tob Azulay, o documentário, além das cenas das gravações na época, conta com depoimentos de César Camargo Mariano, André Midani, Roberto Menescal, Nelson Motta, João Marcelo Bôscoli e Elizabeth Jobim.

Roberto de Oliveira, que era empresário de Elis Regina em 74, participou da gravação um álbum conjunto em Los Angeles. Sobre o momento, ele comenta: "Chegando lá eu percebi que eu tinha que filmar aquilo. Percebi que eu estava diante de um evento histórico." O filme passou por um tratamento de imagem e foi lançado em 4K. Com a ajuda de inteligência artificial, o diretor contou que foi possível deixar o áudio o mais limpo e claro.

É sempre bom rever e reencontrar artistas como Elis e Tom Jobim. Melhor ainda é ouvi-los e vê-los em plena ação. Aproveitei e levei a Manuela, minha filha, para assistir ao documentário comigo. Numa época acelerada de produções superficiais para redes sociais e cantores instantâneos, é sempre interessante presenciar o processo de dedicação e o esmero numa produção. Além, claro, conhecer estas canções e estilo, que devem e precisam ser relembrados e reverenciados.  

segunda-feira, 4 de setembro de 2023

Triângulo da Tristeza


Triângulo da Tristeza não é um filme fácil. Carregado de uma crítica ácida ao mundo dos super-ricos, ele também traz uma reflexão sobre a inversão de poderes. Se por acaso os papeis se invertessem, aqueles que se tornariam os novos super-ricos, agiriam de forma muito diferente? A resposta não é simples, como o filme também não.

Dirigido pelo diretor sueco Ruben Östlund, Triângulo da Tristeza foi o vencedor da Palma de Ouro do Festival de Cannes 2022. A obra tem relação com filme anterior do cineasta, "The Square - A arte da discórdia", que fazia uma crítica ao mundo das artes plásticas e ganhou a Palma de Ouro em 2017.

O filme se inicia em um casting para modelos masculinos. De lá, o diretor já começa a pontuar alguns temas ácidos sobre grandes marcas e seus aspectos segregadores: “Esta marca é simpática ou zangada? A marca zangada despreza seus consumidores.” “Ser bonito e desfilar. Você é capaz de fazer os dois ao mesmo tempo?”.

Neste primeiro momento, somos apresentados a Carl (Harris Dickinson), que é um dos modelos que está nesta seleção, e Yaya (Charlbi Dean), modelo de sucesso e namorada de Carl. O casal de jovens modelos influencers está presente nas três partes nas quais o filme é divido. A trajetória deles e sua relação um tanto superficial e, até mesmo, comercial é aquela com a qual mais conseguimos nos envolver ao longo da trama. O restante dos personagens tem um peso mais simbólico, representando super-ricos exóticos e cheios de vontade e aqueles que os servem em todos seus caprichos.

Depois que somos apresentados ao casal, a história os acompanha em um cruzeiro de luxo. No navio, acompanhamos plenamente a hierarquia social envolvida naquela viagem. Em seus vários andares, há os passageiros; a tripulação que os atende diretamente, formada por jovens atraentes; e os trabalhadores, na maioria asiáticos, que limpam e cozinham.

Não à toa, o título do filme refere-se a um termo usado por cirurgiões plásticos para a ruga de preocupação que se forma entre as sobrancelhas, que pode ser corrigida com botox em 15 minutos. No mundo dos super-ricos, não há lugar para a preocupação. Esta é a filosofia presente no navio.  

Somos introduzidos ao cruzeiro, quando uma maleta amarela, cheia de Nutella, é jogada em alto-mar, para que um tripulante a busque e a traga para o navio. Algum passageiro pediu o produto que, como não estava disponível a bordo, foi prontamente providenciado. A dinâmica do cruzeiro é esta: pediu, foi atendido. Desejou, é realizado. Para eles, nada é impossível e, com cada vontade atendida, os super-ricos tornam-se cada vez mais alienados. Aquele navio os isola em um mundo onde só ouvem “Yes, Sir” ou “yes ma'am”.

Como escreve a psicanalista Marília Velano no texto “As pontas afiadas do Triângulo da Tristeza”, o mesmo tipo de ambiente está presente na sério White Lotus (HBO, 2021) e, de forma mais discreta, no filme Parasita (2019): “O resort no primeiro caso, e o quarto da empregada no segundo. Além disso, as duas obras e o filme guardam em comum a crítica ao mundo do super ricos e seus lugares que, de tão vexatórios, parecem irreais, não fosse a porta concreta que delimita o dentro e o fora de cada um.”

Mas este é um mundo frágil e comercial como a relação de Yaya e Carl. A inversão desta dinâmica acontece na terceira parte do filme. E a pergunta que nos fazemos é “Será que ficou melhor?”. Para ficar melhor, não se deveria querer ficar no lugar do outro, mas encontrar um lugar comum. Espaço este que, neste mundo distópico que o filme nos apresenta, ainda não foi possível encontrar. 

domingo, 6 de agosto de 2023

O Beco do Pesadelo

 Na coluna deste mês, volto a comentar um filme de Guilherme de Del Toro. Desta vez, é O Beco do Pesadelo, lançado em 2021, mas ao qual assisti recentemente. A produção recebeu quatro indicações ao Oscar 2022 - melhor filme, melhor fotografia, melhor figurino e melhor direção de arte - e, além do diretor, que já é uma qualidade por si só, ainda tem um elenco composto por nomes como Cate Blanchett, Willem Dafoe, Toni Collette, Bradley Cooper, Rooney Mara, entre outros.

A versão de Del Toro é a segunda adaptação para o cinema do livro Nightmare Alley, de William Lindsay Gresham, originalmente publicado em 1946. Sua primeira versão cinematográfica foi O Beco das Almas Perdidas (1947), dirigido por Edmund Goulding.

Beco do Pesadelo tem estilo noir, com cenas noturnas, escuras, sombras, a femme fatale, personagens misteriosos, um protagonista ambíguo e o caráter simbólico da narrativa; ele já se inicia com uma profecia. Quando o protagonista Stanton Carlisle (Bradley Cooper) é acordado no ponto final de uma viagem, escuta: “Última parada. Fim de linha.”

Ele, então, chega em uma feira decadente cujas atrações principais são desajustados: mulher que leva descargas elétricas, videntes, o menor homem do mundo e o geek, que não se sabe se é um homem ou um bicho. Em suma, aquele que quase perde sua essência humana e se porta como um animal. Uma saga não tão incomum, como, a princípio, podemos pensar. Sobre tais shows, Clem (Willem Dafoe),  gerente da feira, explica: “As pessoas pagam muito dinheiro para se sentirem bem consigo mesmas”. Ao verem o grotesco, se sentem melhor.

No caso de Zeena (Toni Collette), a vidente, seus truques funcionam bem porque as pessoas são desesperadas para serem vistas. E é nesta atração que Stan achará uma oportunidade de fazer sucesso. Toma Pete (David Strathairn), marido de Zeena, como seu mestre e aprende a “ver” as pessoas. Ou melhor, aprende a ler o desespero delas. Torna-se um sucesso. Com isto, mais ambicioso e ousado. E, neste caminho, conhece Lilith (Cate Blanchett), uma psicóloga que segundo ele “é mais discreta, mas é trambiqueira igual a mim”. A dinâmica entre os dois é interessante, desafiadora, ficamos interessados em saber o que resultará daquela parceria. Como comenta Kevin Rick no site Plano Crítico, "Lilith Ritter é provavelmente a melhor personagem em termos de conflito narrativo com Stan, trazendo uma leve camada de psicanálise ao já intrigante estudo de personagem do protagonista sob a ótica da natureza humana, principalmente ambição e sucesso”.

Não à toa, em uma de suas lições a Stan, Pete enfatiza: “Se o homem insiste na mentira e começa a sentir que tem poder com ela, ele fica cego. E passa a acreditar na própria mentira.” O tema é atual por se tratar praticamente do conceito da pós-verdade. No filme, é literal. Não se deve trabalhar com a mentira. Stan foi alertado, mas se cegou e é aí que seu ciclo se fecha tragicamente de volta a sua última parada. Não foi por falta de aviso.